LÍNEA DE INVESTIGACIÓN: SOBRE LA INTENCIÓN DEL PROYECTO “CITY GATE”

Nuestra realidad, ahora más que nunca, es más tangible: se respira; y en ese afán de notificar su situación, percibo elementos que me parecen interesantes y que son en todo momento identificables en la vida cotidiana. La vida citadina engloba todo aspecto relacionado con la situación del hombre moderno, y en donde los caracteres propios de un espacio y de una estructura social, son siempre determinantes para la historia y el cause de sus situaciones; la cotidianeidad representa en todo momento el flujo del devenir de las acciones y las interrelaciones entre las personas; y en las ciudades, la retícula que determina parámetros de comportamiento es siempre metódica y al mismo tiempo improvisada: existe una especie de estructura que soporta socialmente el comportamiento de las personas, y define de manera determinante la respuesta a desavenencias individuales y colectivas.

Por lo anterior y para resaltar lo que emotivamente me invita a explorar artísticamente lo que puedo representar en torno a la ciudad, he considerado en primera instancia el término “City Gate” como el umbral que invita a apreciar lo que es cotidiano en la ciudad, y en donde el proyecto gráfico – experimental implica en sí mismo una continuidad al quehacer artístico que antecede a mi desarrollo profesional; y en donde reconozco una gran planicie de exploración predispuesta a la propuesta, la innovación y a la visión introspectiva.
El proyecto consiste en la elaboración de un número indeterminado de libros de artista, no menor a diez (esta indeterminación supedita cierta intencionalidad de resultados en cuanto a número, que se encuentra obviamente justificada por el tiempo disponible de elaboración), y en donde trataré esquemas que visualmente son inexorablemente reconocibles en los espacios citadinos: la calle, el tránsito, las luces en la noche, las tiendas comerciales, los escaparates, el hombre de negocios, los espacios seccionados, la prostitución, el comercio ambulante, las noticias en la televisión, etc.

Dichos libros de artista son creados como sustento de elaboración al grabado tradicional, por lo que los caracteres gráficos, expresivos y el gran soporte tradicional que los respalda en la historia de la producción de libros, merecen valorarse tanto en un sentido ciertamente plástico y gráfico, como en su aportación experimental y propositiva para el diseño editorial. Y esta parte experimental con el uso de materiales y procedimientos de manufactura no convencionales, es característica casi intrínseca en la creación de libros de artista. Dicho proyecto está dividido en series, la primera constituye temáticamente una propuesta visual sobre el espacio en las tiendas comerciales y los escaparates de ropa y accesorios, denominada como “Fashion test”: aludiendo a un slogan de la tienda comercial Liverpool. Los maniquíes, la ropa, las luces de los aparadores, la escenografía predispuesta, la ropa de temporada, los zapatos, las escaleras eléctricas, los rótulos que señalan ofertas o precios, etc. Constituyen visualmente la esencia de esta serie.
Para el arranque en su realización, he contemplado en primera instancia y para el marco referencial, obviamente la visita a estos espacios y el registro fotográfico como instrumento de apoyo en colaboración con el fotógrafo Arturo Rogel. Me interesa retomar de las fotografías la esencia de lo que se percibe en primera instancia acerca del consumo y del entorno que la publicidad y el estatus generan como parte de la vida del hombre moderno.
He considerado otro tipo de material al fotográfico recopilatorio: revistas, catálogos y folletos, que serán utilizados ocasionalmente para complementar, ya al momento de su desarrollo, la información de apoyo visual y el marco referencial. Los materiales y técnicas responden a una necesidad expresiva que previamente ya he visualizado para complementar el carácter del libro. El uso de la tipografía tiene dos intenciones: una es utilizar el contenido de las palabras o frases para acentuar la narrativa del libro; y otro es utilizarla como complemento visual al resultado gráfico del mismo.

La dobe mirada-sobre la intenciòn del proyecto City Gate y algunos antecedentes

“LA DOBLE MIRADA”
SOBRE LA INTENCIÒN DEL PROYECTO CITY GATE Y ALGUNOS ANTECEDENTES


Si bien en México ha sido difícil considerar en el quehacer profesional que las Artes Visuales y el Diseño Gráfico pueden en un momento dado generar ambiguamente para uno o para otro, un producto cuyos valores estéticos y funcionales no son necesariamente entes ajenos, es propiamente cuestión de criterios, en donde la ignorancia y la necia y al mismo tiempo absurda idea del antagonismo, no permiten ni considerar los antecedentes que ambas disciplinas han compartido durante siglos, ni abrir el paso a nuevas propuestas e ideas que en nuestros días son más abiertas aún a la libertad artística y de expresión. Y esto viene a ser tan sólo un breve preludio de lo que es la situación de ambas disciplinas en su realidad inmediata, ya que es perfectamente comprensible que la formación y el contexto que determina el oficio son distintos, pero en México no ha sido aún considerado el carácter que implica relacionar ambas disciplinas no como una sola, sino como un complemento para ambas; ejemplo claro de esto es Vicente Rojo, quien encarna en México la ambigüedad del arte y el diseño: “La memoria de Vicente Rojo es una manera de desdoblar la mirada: de abandonar, por un lado –en una orilla, en un doblez-, la mirada de todos los días y de todas las horas, y, por otro lado –en un pliegue distinto, desconocido para los ojos cotidianos-, de crear el espacio para nuevas experiencias visuales” (1).

Nuestra realidad, ahora más que nunca, es más tangible: se respira; el Arte se nutre del Diseño para llegar a las masas, para explorar sus herramientas, para convertirlas en obra de arte… El Diseño, mientras tanto, matiza su producto, lo decora y estetifica su imagen, lo convierte en un escaparate de minucias… Para el arte, el cartel, la postal, el logotipo y la página Web son instrumentos de trabajo, que reestructuran sus intenciones (siempre artìsticas); para el diseño el espacio mural, el desnudo, la gráfica y el volumen, son instituciones que publicita y reivindica en panfletos, revistas y espectaculares. No existe a ciencia cierta una verdad absoluta sobre la separación de ambas disciplinas, pero existen millones de formas de hacerlas coexistir.

Otro ejemplo de tal simbiosis es la tradición que antecede a la ilustración mexicana, tan sólida y nutrida de ejemplos: Gabriel Fernández Ledesma, Miguel Covarrubias, Carlos Alvarado Lang, Diego Rivera, Alberto Beltrán, Leopoldo Méndez, Francisco Moreno Capdevila, Francisco Díaz de León y muchos más, todos ellos artistas plásticos, en su mayoría grabadores, que encontraron en el medio editorial, el espacio adecuado a su expresión gráfica, y que reconocieron en su momento y afortunadamente, que tal convivencia de las disciplinas siempre genera propuestas innovadoras. Y si bien en la actualidad la ilustración como disciplina no se realiza en su mayoría por artistas sino por diseñadores, caricaturistas, arquitectos y aficionados, sigue siendo una forma que permite expresar y considerar al libro y a la revista como un espacio plástico. La producción de libros y revistas en la actualidad, es para beneplácito de quienes los producen, muy numerosa y constante; y para quienes perseveran en trabajar con medios tradicionales es doblemente reconfortante, porque las nuevas tecnologías no han desplazado a las antiguas y eso habla del valor que se le ha adjudicado a las técnicas y recursos tradicionales, y por ende, a quienes los utilizan; yo mismo me he beneficiado de esto: he realizado algunas ilustraciones promocionales y para libros y revistas con grabado al buril, y la relación con las editoriales, escritores y diseñadores ha sido muy placentera y bien planificada, y los resultados dignifican de alguna manera lo que hago y me permiten explayar, una vez publicados, el valor que aún permanece ( que es insustituible) con toda esta tecnología de por medio.

Y ya que estamos tratando aspectos sobre el libro, podemos reconocer que su producción y manufactura para este caso, son determinantes, ya que el enfoque que enfatiza tal idea sobre la coexistencia entre arte y diseño, la percibo y la pretendo proyectar por medio del libro de artista, básicamente porque nos remiten en un mismo objeto, a caracteres que son comunes a ambas disciplinas; y por otro lado, considerando mi formación como grabador, lo que esto conlleva en la práctica del oficio, así como los caracteres propios de la gráfica en el uso de materiales y procedimientos, así también como los elementos formales de los que se sirve para comunicar sus ideas, que son en todo momento, por tradición, por estética y por la manera de conjugar sus elementos plásticos, comunes a los que el libro utiliza. El libro de artista es para este proyecto, el medio idóneo a mis necesidades expresivas y el objeto artístico y de diseño que se amolda a lo que en mi oficio como grabador, responde a una necesidad exploratoria. Aún cuando no detallo sino más adelante, en otra entrada para este blog, lo que es propiamente el libro de artista, me permito en este espacio y para concluir, citar que “Un otro libro tiene personalidad distinta a la de los otros miembros de la especie. Pero suele estar distante de su modelo original. Sus señas anárquicas principian con las fuerzas que lo generan. Es decir, sus autores” (2).

(1) Huerta, David. La doble memoria de Vicente Rojo, en Vicente Rojo-Diseño Gráfico. CONACULTA-ERA, México, 1990. Pág. 81.
(2) Renàn, Raúl. Los otros libros. Distintas opciones del trabajo editorial. UNAM. México, 1988. Págs. 13-14.

CITY GATE: LIBROS DE ARTISTA
HÈCTOR MORALES

El proyecto a desarrollar considera la elaboración de un número indeterminado de libros de artista, no menor a diez, denominado “City Gate”, que trata el tema de la ciudad como el espacio en el que el hombre moderno de todas las ciudades encuentra y determina todos los factores que envuelven su existencia: el tránsito, las tiendas comerciales, los escaparates, los espacios reticulados y seccionados, la prostituiciòn, los tianguis en la calle, la sobrepoblación, las luces en la noche, el hombre de negocios, etc. Dichos libros de artista son creados como sustento de elaboración al grabado tradicional, por lo que los caracteres gráficos, expresivos y el gran soporte tradicional que los respalda en la historia de la producción de libros, merecen valorarse tanto en un sentido ciertamente plástico y gráfico, como en su aportación experimental y propositiva para el diseño editorial. Y esta parte experimental a la que me refiero tiene que ver con el uso de materiales y procedimientos de manufactura no convencionales, característica casi intrínseca en la creación de libros de artista. Dicho proyecto está divido en series, la primera constituye temáticamente una propuesta visual sobre el espacio en las tiendas comerciales y los escaparates de ropa y accesorios, denominada como “Fashion Test”: aludiendo a un slogan de la tienda comercial Liverpool. Los maniquíes, la ropa, las luces de los aparadores, la escenografìa predispuesta, la ropa de temporada, los zapatos, las escaleras eléctricas, los rótulos que señalan ofertas o precios, etc. constituyen visualmente la esencia de esta serie. Para el arranque en su realización he contemplado en primera instancia y para el marco referencial, obviamente la visita a estos espacios y el registro fotográfico como instrumento de apoyo, en donde la labor del fotógrafo determina en gran medida la aportación visual que detona visualizaciones y congregación de ideas que pueden plantearse en los libros. Me interesa retomar de las fotografías la esencia de lo que se percibe en primera instancia acerca del consumo y del entorno que la publicidad y el estatus generan como parte de la vida del hombre moderno, y la fotografía no puede ser menos verosímil. El proceso de trabajo para “Fashion Test”, así como el soporte que antecede a la creación de este proyecto (para lo cual me pareció importante crear un blog que anteceda mi trabajo profesional anterior) y lo que se ha hecho en cuanto a libros de artista, lo incluyo en la próxima entrada de mi blog; así como un respaldo que antecede teórica e històricamente a la ilustración de libros y la exploración de libros de artista desde los años sesenta en México.

HÈCTOR MORALES

HÈCTOR RAÙL MORALES MEJÌA (Ciudad de Mèxico, 1972)

Licenciado y maestro en Artes Visuales; doctorando en Artes y Diseño por la Escuela Nacional de Artes Plàsticas de la Universidad Nacional Autònoma de Mèxico (UNAM). En 1986 obtuvo diploma en la "V Bienal Internacional del Grabado Infantil y Juvenil" en Torun, Polonia. En 1987 es finalista en el "VII

"Procesiòn Cora" Grabado al buril en cobre. 1995.

Concurso de Arte Infantil y Juvenil" en Hyvinkaa, Finlandia. En 1994 obtuvo el Premio de Adquisiciòn en la "VI Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa". En 1996 obtuvo Menciòn Honorìfica en la IV Bienal Internacional de Grabado Caixa Ourense, Premio Julio Prieto Nespereira, en Orense, España. En 1997 se le otorgò la Beca Jòvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En el 2002 obtuvo Premio de tercer lugar en el Catàlogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juveniles. En 2006 formò parte del grupo de pintores que conforman la exposiciòn "Retratos Vivos" en la Suprema Corte de Justicia de la Naciòn.

Sus estudios artìsticos inician en el Taller Libre de Grabado en Relieve en la Casa del Lago del bosque de Chapultepec (1986-1990); Artes Plàsticas en la Escuela de Iniciaciòn Artìstica no. 4 del Instituto Nacional de Bellas Artes(1987-1990); de licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plàsticas de la UNAM (1990-1994) y en donde cursa actualmente la Maestrìa en Artes Visuales (2007- ).

"Kayom y Najà en la selva lacandona" Grabado en linòleo

a la plancha perdida. 2002.

Ha participado en màs de cuarenta exposiciones colectivas en Mèxico y en el extranjero y en cuatro individuales. Ha ilustrado diversas publicaciones para las revistas Tierra Adentro y Tecnologìa Empresarial, asì como ilustrado libros para el Fondo de Cultura Econòmica, Ediciones Castillo, Editorial Escarabajo y Editorial Porrùa; asimismo ha realizado proyectos de grabado para Concretos Apasco, Byk Gulden, la Universidad Iberoamericana y el Ex-convento de la Merced.

Desde 1993 su trabajo profesional se complementa con actividades docentes que ha realizado en la Escuela Nacional de Artes Plàsticas, la Universidad del Claustro de Sor Juana, su ayudantìa en cursos de tècnica de los materiales de pintura con el maestro Luis Nishizawa y como profesor para la carrera de Diseño y Comunicaciòn Visual en la Facultad de Estudios Superiores Cuautitlàn, en donde labora actualmente. Pertenece además, desde principios del 2012, al programa de Doctorado en Artes y Diseño de la ENAP, en donde ha venido desarrollando una investigación-producción sobre la jerarquización de las artes contemporáneas y el papel que en ello implica su labor como grabador burilista.

"Metamorfosis" Grabado al buril en cobre. 1997.

Su trabajo plàstico se ha venido especializando en un conocimiento minucioso sobre el uso de las tècnicas y sus materiales y en donde en el caso de la Gràfica se ha especializado en el Grabado al Buril, que ha venido practicando desde 1988: " 23 años han pasado desde que comencè a practicar el buril, primero en madera y luego en metal. Es a mi manera de ver la tècnica de grabado màs difìcil de desarrollar porque implica en sì misma un proceso

"Mujeres sin rostro, descaradas" Grabado al aguafuerte en fierro.
1994.

que requiere disciplina y constancia, ademàs de que los resultados favorables

se obtienen despuès de muchos años. El proceso en el dominio y conocimiento de la tècnica es muy importante para mi porque representa en mi trabajo una mayor y màs sòlida manera de expresar mis ideas". Sobre su ideologìa estètica considera algunas influencias como factor clave en su creaciòn: "Alberto Durero, Francisco de Goya y Moreno Capdevila han influenciado mi trabajo y no sòlo por la calidad gràfica que repre-

"Mapa de Pantya" Ilustraciòn para el libro "El vuelo de Eluàn" del

Fondo de Cultura Econòmica. Grabado al buril en cobre. 2005.

sentan, sino por la fuerza expresiva en sus temàticas y soluciones visuales; no creo en el arte purista ni en la gràfica meramente artìstica, creo que los artistas tenemos mucho que decir de nuestro tiempo, nuestro entorno y de lo que vivimos..."

Sobre "La era de la disecrepancia" Museo Universitario de Ciencias y Artes UNAM

Entender el significado del arte denominado actualmente como no convencional o alternativo implica en primera instancia "aceptar" que las artes visuales no son desde hace algunos lustros, sòlo la creaciòn de objetos plàsticos producidos con medios tradicionales, sino que literalmente cualquier medio es vàlido para ser reconocido en la creaciòn de obras artìsticas; y si bien el origen primordial de lo que actualmente constituye el arte conceptual nos remite a los ready-mades de Marcel Duchamp, la pluralidad de formas y medios de los que los artistas se sirven para crear arte es cada vez màs aceptada no sòlo por la crìtica y el mercado, sino por los mismos artistas, que en un afàn de experimentar o de reconocer otras opciones al mero hecho utilizar medios no convencionales, exploran otras soluciones que les permitan sentirse "aceptados" o inmiscuidos en lo que otras generaciones originaron.La secciòn de libros de artista merece una atenciòn considerable, dado que se trata de una pequeña pero concisa muestra de libros alternativos en donde se exalta al libro como objeto plàstico y cuyos valores nos permiten apreciar el sentido que conllevan en su diseño: recortes, pegotes, impresiones, grabados, textos, caligrafìas, etc, que con extrema iniciativa eximen al libro tradicional.

Sobre la pluralidad y apertura de nuevas formas de expresiòn:Creo que la pluralidad que vivimos hoy en materia de artes visuales va de la mano con la que se vive en las demàs artes, como la literatura o la mùsica, y que ha venido gestàndose de manera categòrica desde los años ochenta, y que ha venido en los ùltimos años cristalizando cada vez màs una especie de "dar por sentado" lo que sea; y si bien podemos considerar que la apertura de ideas y de propuestas merece celebrarse, tambièn es importante destacar la exacerbada producciòn artìstica que se detecta en una creciente poblaciòn de "personas que producen arte", en el amaneramiento que proviene incluso de las academias y la falta de profundidad tanto en contenidos como en calidad plàstica; vemos entonces un desequilibrio que se da entre la calidad de las obras producidas en contraparte con la apertura y aceptaciòn del "medio" artìstico. ¿Que si esto està bien o està mal? tal vez una respuesta de mi parte serìa totalmente parcial dada mi postura, pero la historia nos dirà en un futuro si lo que se hace actualmente en materia de arte puede valorarse y de què manera. Los artistas jòvenes (cada vez màs jòvenes) se consuman como tales mediante esta "inclusiòn" a travès de exposiciones, presentaciones, obtenciòn de premios en concursos y becas, pero los resultados no tienen la consistencia adecuada, no es suficiente el apadrinamiento y la inclusiòn en los catàlogos, el arte mexicano merece otra identidad, una que vaya acorde con la situaciòn social que vivimos, un arte màs profundo y analìtico, menos divagante.